精靈舞曲的轉變：從原始之音到改編的輝煌
《精靈之舞》算是改編曲大大搶走原曲風頭的樂曲，但是也因此更廣為人知，成為葛路克最著名的作品。
先來看看克萊斯勒（Fritz Kreisler）的小提琴改編曲。作家契訶夫（Anton Chekhov）曾經說過，短篇小說比長篇小說更難寫。同樣地，我也覺得小曲比大曲更難詮釋，因為要利用有限的篇幅把故事講得精彩而且言之有物。就這一點來說，無法不提小提琴泰斗海飛茲（Jascha Heifetz）在一九四五年的錄音。細膩的對比、滑音與內斂的彈性速度，可說沒有一個樂句不充滿生動的細節。難怪對於現今許多小提琴家來說，海飛茲的地位就像神一般存在。
另一個能把小曲轉化成為小宇宙的音樂家是大提琴家王健。王健沒有正式唱片錄音，這段影片應該是節取自某一場獨奏會實況，但是可以清楚聽到他音色變化與樂句處理的豐富程度。不禁讓人讚嘆，能讓大提琴唱得如此沉穩動人的，就只有王健！
李斯特學生斯甘巴第（Giovanni Sgambati）在一八八一年出版的鋼琴改編曲是所謂「鋼琴黃金時代」（1870年到二十世紀中期）的重要名曲。我不是崇尚老大師的人，但是很奇怪，這首曲子無論怎麼聽，錄音效果不理想的老錄音卻總是比近代錄音更耐聽，尤其是拉赫曼尼諾夫（Sergey Rachmaninov）、霍夫曼（Josef Hoffmann）與馬克‧漢堡（Mark Hambourg）的錄音。「彈性速度」是這段時間慣用的詮釋手法之一，暫時不受節拍拘束的旋律讓音樂家有自由的詮釋空間，讓音樂聽起來像是演講說或是吟誦般有抑揚頓挫，如呼吸般緊貼著情感，比一絲不苟緊跟著節拍更顯得生動，不會像機器演奏般死板。但是如果使用過於浮濫或是不得法，音樂聽起來就會像油門不順一樣，讓開車的人感到煩躁。我想，許多現代鋼琴家的演出讓我無法真心喜愛的原因，就是這種「油門不順」感吧。
斯甘巴第之外，西洛季（Alexander Siloti）也把《精靈之舞》改編成鋼琴曲，但是演奏機會不多，法國鋼琴家塔羅（Alexandre Tharaud）在二○一三年的錄音是目前最容易找到的唱片。
1945
曾經有一名世界級小提琴家告訴我：「身為小提琴家，聆聽海飛茲的錄音是件極重要的事。」不只是提高小提琴演奏技術、擴展小提琴曲目、為小提琴改編超過上百首曲目，海飛茲偏愛詮釋小品的習性也是許多當今小提琴家仿效的對象。
浮誇系藝人在音樂界爆紅之後，不少前後輩前仆後繼，努力在舞台上複製這些視覺滿分的動作，甚至有「專家學者」莫名其妙地檢討起「看起來」不那麼刺激的音樂家，就像王健。但是，誇張的舉止與音樂之間有必然優劣關係嗎？到音樂廳是「看」表演還是「聽」音樂呢？
王健的音樂細節雖然多，卻完全不見虛矯誇張；詮釋個性化而不流於個人主義。他不會以誇大的速度讓人感到興奮，也不用強烈的音色對比刺激耳朵，但這種樸實的美麗就是會牽動人心深處。聽聽這段德弗乍克大提琴協奏曲終樂章尾聲，我沒有聽過這樣美到極點、扣人心弦的演出。
拉赫曼尼諾夫是少見同時在作曲、獨奏與指揮三個領域都有頂尖表現的音樂全才。雖然從小學習鋼琴也經常公開演出，作曲、指揮始終是他的事業重心，直到四十四歲才成為全職音樂會鋼琴家。很可惜他留下的指揮、鋼琴演奏唱片數量有限，但是每一張都有讓人驚訝，且現今依然讓人覺得新穎的創造力。
2013, Salle Colonne, Paris
同樣的旋律，同樣以鋼琴彈奏，斯甘巴第與西洛季改編的《精靈之舞》卻有完全不同的氣氛。塔羅是少數錄製西洛季版本的鋼琴家之一。聽聽看，你喜歡哪一個？
陳效真作品集 
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